Les éléments du langage visuel

Après avoir suivi le programme d'éducation artistique à l'élémentaire, l'élève comprend bien les éléments du langage visuel et leur utilisation. À l'intermédiaire, il ou elle apprend comment ces éléments sont liés à la composition et à l'efficacité globale d'une image. Dans le programme d'études d'Arts visuels 10, 20, 30, l'élève s'en servira dans des buts précis pour discuter des œuvres d'art et en créer. L'enseignant ou l'enseignante doit se rappeler que les éléments du langage visuel et les principes de composition sont plus clairs s'ils sont enseignés dans un contexte qui intéresse l'élève, plutôt qu'isolément. Voici ce que l'élève doit voir en relation avec les éléments du langage visuel dans le programme d'études d'Arts visuels 10, 20, 30. Il faut renforcer et appliquer ces concepts durant toute l'année.

La ligne
Durant les années précédentes, l'élève a observé une grande variété de lignes dans l'environnement naturel et construit, a reconnu des lignes imaginaires dans les œuvres d'art étudiées et a utilisé la ligne pour exprimer ses idées. Il ou elle doit continuer à étudier la ligne par des observations et une variété d'expériences. Il devrait devenir plus conscient des nombreuses subtilités de la ligne et de la façon dont la qualité et la direction des lignes réelles ou imaginaires peuvent suggérer différentes idées et expériences.

L'élève ayant suivi le programme d'études d'Arts visuels 10, 20, 30 sera capable de:
  • Analyser les façons dont la ligne est utilisée par soi et les autres pour exprimer des idées et des expériences dans toutes sortes d'œuvres d'art (y compris dans des domaines comme le film, l'architecture, la publicité et le design vestimentaire)

  • La couleur
    La couleur est l'élément à la fois le plus expressif et le plus difficile à décrire. L'élève doit approfondir l'étude de la couleur dans l'environnement tout en découvrant les nombreuses relations entre les couleurs elles-mêmes et entre les couleurs et soi-même. C'est en explorant les différents agencements de couleurs et techniques que l'élève développera une compréhension de certaines qualités expressives de la couleur. L'enseignant ou l'enseignante doit continuer d'organiser des activités qui amènent l'élève à explorer divers supports et outils et à utiliser la couleur de manières variées. L'élève du secondaire doit comprendre et utiliser dans des buts précis le langage des couleurs dans ses œuvres. Le cercle chromatique est une bonne ressource à utiliser pour comprendre et organiser les couleurs.

    L'élève ayant suivi le programme d'études d'Arts visuels 10, 20, 30 sera capable de:
  • Étudier plus en profondeur la couleur dans l'environnement
  • Utiliser le langage des couleurs dans des buts précis pour créer des œuvres et employer la bonne terminologie pour discuter d'œuvres
  • Analyser comment les artistes visuels ont créé et utilisé des couleurs pour exprimer différentes idées et expériences

  • La texture
    En arts visuels, la texture fait référence à l'aspect réel de la surface ou à l'illusion de son apparence. En étudiant la texture, l'élève doit comprendre que toute surface possède une texture, que les artistes utilisent souvent la texture pour renforcer différents concepts et que différentes textures permettent d'exprimer diverses idées ou significations. L'élève doit continuer de créer de nombreuses " textures véritables " différentes de même que l'" illusion " de la texture dans ses propres œuvres. L'enseignant ou l'enseignante doit fournir à l'élève des occasions d'explorer la texture par l'emploi de méthodes, techniques et matériaux divers.

    L'élève ayant suivi le programme d'études d'Arts visuels 10, 20, 30 sera capable de:
  • Analyser la façon dont la surface ou la texture d'un objet peut influencer son impact ou sa signification
  • Examiner la texture dans les médias de masse et l'environnement et explorer diverses façons de créer des textures dans ses réalisations

  • La forme
    La forme est un élément qui caractérise les œuvres à deux dimensions. L'élève a pu utiliser et reconnaître la forme dès les premières années de sa vie et depuis qu'il ou elle va à l'école. Les formes et les relations entre les formes qu'il ou elle crée et décrit devront devenir de plus en plus complexes à mesure qu'il progresse. L'enseignant ou l'enseignante doit faire faire à l'élève des expériences qui encouragent la prise de conscience et l'appréciation des formes et la compréhension des façons dont elles sont reliées les unes aux autres dans une image. L'élève ayant suivi le programme d'études d'Arts visuels 10, 20, 30 sera capable de:
  • Comprendre comment les artistes utilisent la forme positive et négative et organique et géométrique et mettre cela en application dans ses réalisations
  • Explorer ce que différentes formes peuvent communiquer, par exemple, une forme parfaite évoque la fabrication à la machine, un triangle, la stabilité, etc.

  • Le volume
    Le volume caractérise des objets à trois dimensions: largeur, longueur et profondeur. L'architecture, la sculpture, la céramique, le tissage et la bijouterie sont toutes des formes artistiques à trois dimensions. En 10e, 11e et 12e année, l'élève expérimentera et créera une variété de volumes, par exemple des volumes ouverts et fermés, mobiles et immobiles, autostables et en ronde-bosse et des hologrammes. C'est par des expériences qu'il ou elle commencera à comprendre l'impact de différents volumes et à utiliser sa compréhension pour analyser et interpréter la signification des œuvres d'art.

    L'élève continuera d'examiner et d'explorer comment les artistes créent l'illusion du volume sur une surface à deux dimensions. Il ou elle valorisera l'idée de produire des images qui ressemblent à la réalité et devra continuer d'explorer les concepts liés à la création de l'illusion de profondeur sur une surface à deux dimensions.

    L'élève ayant suivi le programme d'études d'Arts visuels 10, 20, 30 sera capable de:
  • Comprendre que, souvent, le volume d'un objet suggère différentes interprétations et dépend des limites des matériaux utilisés
  • Comprendre comment l'illusion de volume peut être créée sur une surface à deux dimensions
  • Comprendre comment créer un effet de volume en utilisant le pâle et le foncé dans les œuvres à deux ou trois dimensions
  • Appliquer sa connaissance du volume à trois dimensions dans ses propres œuvres


  • Les principes de composition

    À l'intermédiaire, l'élève a eu de nombreuses occasions d'étudier et de comprendre comment les principes de composition servent à organiser la composition dans les œuvres d'arts visuels. Avec le programme d'études d'Arts visuels 10, 20, 30, il ou elle poursuit son étude des principes de composition et est encouragé à appliquer ce qu'il ou elle comprend à tous les aspects du cours. Il comprendra comment l'organisation des éléments influence l'efficacité de l'image.

    Voici ce que l'élève doit voir en relation avec les principes de composition en Arts visuels 10, 20, 30.

    L'équilibre
    L'équilibre en arts visuels peut être rigoureux (" parfait "), irrégulier (" relatif ") ou radial. L'équilibre est rigoureux lorsque des objets égaux ou semblables sont placés de chaque côté d'un axe central. Il existe un équilibre radial lorsque des objets égaux ou semblables tournent autour d'un point central et on obtient un équilibre irrégulier en utilisant des objets différents. Les artistes visuels créent un équilibre irrégulier en tenant compte de tous les facteurs contribuant au poids visuel et en organisant les objets avec soin. Avec l'expérience, on parvient à une meilleure compréhension du concept d'équilibre visuel.

    Il y a des artistes qui créent intentionnellement des œuvres qui ne respectent pas l'équilibre visuel. Au secondaire, l'élève comprendra comment les artistes se servent de l'équilibre pour donner diverses qualités expressives et comment l'équilibre peut être influencé par la répartition des objets, l'utilisation des couleurs, la direction de la ligne, l'utilisation de motifs récurrents, etc.

    L'élève ayant suivi le programme d'études d'Arts visuels 10, 20, 30 sera capable de:
  • Comprendre pourquoi l'équilibre est important dans une œuvre d'art
  • Comprendre les types d'équilibre et la façon dont ils peuvent ajouter à la signification et aux qualités expressives d'une œuvre d'art
  • Explorer comment les artistes créent le poids, la stabilité, la tension et les pressions en employant l'équilibre
  • Comprendre comment créer un poids visuel (grandeur, intensité de la couleur, contour, couleurs froides et couleurs chaudes, contraste de texture, valeur et position)

  • Le rythme (mouvement et temps)
    Le rythme est l'un des principes les plus reconnaissables parce que la vie en est remplie, que ce soit en images, en événements, en sons, etc. L'élève fera des liens entre le rythme en arts visuels et le rythme dans les autres disciplines. Par l'étude de ce principe, il ou elle commencera à comprendre que le rythme visuel est souvent créé par la répétition et la façon dont les images sont organisées ou présentées pour donner une signification ou exprimer des idées et des sentiments.

    L'élève ayant suivi le programme d'études d'Arts visuels 10, 20, 30 sera capable de:
  • Identifier et explorer la présence du rythme et du mouvement dans d'autres disciplines, comme les sciences, l'hygiène, la musique et la danse
  • Établir des liens entre le rythme, le mouvement et le temps et avec d'autres disciplines, comme les sciences, la musique et la danse
  • Explorer des façons de donner une impression de mouvement ou d'évoquer le passage du temps dans les œuvres d'arts visuels

  • La dominance
    La dominance est un principe de composition qui donne à un élément ou une partie d'une œuvre, qu'on appelle habituellement le centre d'intérêt, une plus grande importance qu'au reste. L'ordre dans lequel on voit les parties de l'œuvre et l'importance relative de chacune dépend de la dominance. Le contraste, l'isolement, la localisation, la convergence et l'inusité sont tous des moyens de créer la dominance.

    L'élève ayant suivi le programme d'études d'Arts visuels 10, 20, 30 sera capable de:
  • Identifier et décrire les deux principaux types de dominance visuelle: un élément dominant ou un espace dominant sur les autres
  • Identifier et explorer comment le contraste de forme, de couleur, de valeur, de texture, de grandeur, d'intensité de couleur, de lumière, de groupement, d'isolement, de localisation, de convergence et d'inusité sont utilisés pour créer un centre d'intérêt
  • Analyser comment la dominance influence l'ordre dans lequel on voit chaque partie et le degré d'attention qu'on y accorde
  • Comprendre que les œuvres d'art ne possèdent pas toutes un centre d'intérêt et déterminer l'intention de l'artiste derrière l'utilisation de ce concept

  • La variété
    La variété est le principe de composition que les artistes utilisent pour ajouter de l'intérêt à une œuvre d'art, un design, une publicité, etc. Il est important de noter qu'une œuvre d'art ne doit pas nécessairement avoir de la variété pour être intéressante. Certaines œuvres sont intéressantes par leur simplicité. La variété est simplement un aspect auquel les artistes peuvent réfléchir lorsqu'il ou elle planifient ou créent une œuvre. Il y a des artistes qui veulent créer des œuvres dans lesquelles il y a diverses relations complexes. Pour eux et elles, la variété est donc un principe de composition important.

    La variété peut concerner l'utilisation d'éléments du langage visuel, comme la couleur et la texture, et également le sujet d'une œuvre.

    L'élève ayant suivi le programme d'études d'Arts visuels 10, 20, 30 sera capable de:
  • Comprendre l'importance de la variété dans l'environnement visuel, les œuvres des autres et les siennes
  • Analyser comment créer la variété sans détruire l'unité

  • Le contraste
    Le contraste est un autre principe de composition que les artistes utilisent pour attirer l'attention, pour créer de la variété et de l'intérêt ou pour exprimer une certaine émotion dans une œuvre. Un fort contraste (noir et blanc, par exemple) sert à attirer l'attention sur les différences. Un faible contraste (deux nuances du même gris, par exemple) permet d'atténuer les différences.

    L'élève ayant suivi le programme d'études d'Arts visuels 10, 20, 30 sera capable de:
  • Analyser les contrastes dans les œuvres d'art (frappant et subtil, droit et courbé, rugueux et lisse, robuste et délicat) et la façon dont ils sont utilisés pour créer de la variété
  • Comprendre comment le contraste peut suggérer diverses ambiances et émotions
  • Se servir du contraste pour créer la dominance dans une image pour la renforcer
  • Comprendre comment on peut se servir du contraste pour créer des images dynamiques

  • La proportion ou l'échelle
    La proportion est le principe de composition qui concerne le rapport de grandeur entre les parties d'une chose. Bien des artistes utilisent les bonnes proportions pour représenter la réalité tandis que d'autres exagèrent et déforment la réalité pour exprimer des émotions et des expériences. L'échelle est le rapport de grandeur entre un objet et une unité standard, comme le corps humain. L'échelle d'un objet peut varier d'extrêmement petite à extrêmement grande ou encore elle peut être réaliste ou exagérée, selon l'intention de l'artiste.

    L'élève ayant suivi le programme d'études d'Arts visuels 10, 20, 30 sera capable de:
  • Examiner la proportion dans des œuvres réalistes et approfondir son étude pour mieux comprendre
  • Comprendre que la proportion est une affaire de comparaison
  • Continuer d'étudier l'exagération et la distorsion et comprendre les qualités expressives de ces techniques
  • Comprendre comment l'échelle peut avoir un effet sur une œuvre d'art
      a) l'échelle de l'œuvre
      b) l'échelle des objets ou des éléments qui composent l'œuvre
  • Comprendre que l'échelle peut changer l'impact
  • Comprendre que l'échelle peut être réaliste ou irréaliste

  • L'harmonie
    L'harmonie concerne l'utilisation accentuée d'éléments semblables pour créer une apparence simple et uniforme. Par exemple, l'organisation d'images, de couleurs (monochromatiques ou analogues), de formes (répétition de formes semblables) et de l'espace (espace égal entre des objets) pourrait créer un effet harmonieux.

    À noter qu'une œuvre d'art n'a pas obligatoirement à être harmonieuse. Il y a des œuvres qui sont intéressantes parce que l'artiste a délibérément créé un effet chaotique.

    L'élève ayant suivi le programme d'études d'Arts visuels 10, 20, 30 sera capable de:
  • Analyser et explorer des façons d'obtenir l'harmonie
  • Reconnaître l'harmonie dans les œuvres d'artistes et savoir expliquer comment elle a été obtenue

  • L'unité
    L'unité est le principe qui est peut-être à la fois le plus important et le plus difficile à définir. S'il y avait un énoncé pour expliquer pourquoi des œuvres d'art de divers types sont bonnes, on pourrait dire « parce qu'elles ont de l'unité ».

    L'unité est le principe de composition grâce auquel toutes les parties de l'œuvre forment un tout. Les éléments, les idées, les principes et les supports sont organisés de sorte qu'ils sont tous essentiels pour le produit.

    L'élève ayant suivi le programme d'études d'Arts visuels 10, 20, 30 sera capable de:
  • Comprendre que l'unité est une combinaison complexe des éléments, des idées, des principes et des supports pour créer un tout
  • Comprendre le concept abstrait d'unité dans la réalité
  • Continuer d'explorer des façons de créer l'unité visuelle
  • Reconnaître et décrire l'unité dans une œuvre